みんなのQ&A

30年以上前のようにテクノロジーが根本から異なる時代なら明確ですが、2010年以降の楽曲を「音が古い」と評するのは、かなり主観的な意見だと私は考えています。2010年頃には制作環境のデジタル化が完成されており、技術的な制約による音質の差はほとんどなくなっているからです。

フォーリズムのような伝統的な編成では、DAWの進化も成熟期に入っています。そのため「新しいか古いか」という主観的な尺度で評価するよりも、音作りのスキル不足へのアドバイスの方が、本来は建設的かもしれません。

ただしクラブミュージックの世界では、音色そのものがジャンルの象徴になるため、3年も経てばトレンドが移り変わります。またJ-POPでも、配信リリースの普及により2010年代とはマスタリングの基準が変化し、より耳馴染みの良い質感へ移行している側面はあります。

リバイバル文化が定着した今、特定の年代感を否定的に捉える必要はありません。「音が古い」という指摘は少し前時代的な感覚に基づいていることも多いので、ご自身の違和感は大切にされて良いはずです。

またお気軽にご質問ください。

結論からお伝えすると、この2択であれば、私はEMT 140 Classic Plate Reverberatorをおすすめします。リバーブ（仮想的に部屋やホールの響きを足すエフェクト）は曲全体の雰囲気作りに直結するので、1つ「これ」という定番を持っておくと、とても使い回しが良いです。

私自身、UAD版のLA-3A（音量の凸凹をなだらかにするコンプレッサー）は持っていますが、今はWavesのCLA-3Aの方をよく使っており、UAD版の出番は正直かなり少ないです。ですので、「絶対にこのLA-3Aでないと困る」という場面はあまり多くないと感じています。

一方で、EMT 140のようなプレートリバーブ（鉄板の響きを再現したタイプ）は、他社で「完全に同じキャラ」のものが少なく、UADならではの音質を楽しめます。単品価格も高めなので、「バンドルで取っておくと後から得をした」と感じやすいタイプのプラグインだと思います。

そのため、今回の最後の1枠は、コスパ面と「持っている意味の大きさ」という両方の観点から、EMT 140を選ぶ方向で考えていただくとよいかなと思います。

またお気軽にご質問ください。いつでもお待ちしております。

私はリアルタイムレコーディングをメインに活用するタイプで、日本メーカーのMIDIキーボードで普通に弾くと、だいたい75〜90に収まることが多いです。なのでピアノやベースなど音程のある楽器は、まずその辺で入れてから整えています。

ドラムは音源と狙う質感で変わります。個人的にはエレクトロ系のキックやスネアは高めの方が鳴りが良いように思っています。
アコースティック寄りの太鼓は100前後を基準にすることが多いです。リアルタイムレコーディングでフィンガードラムするときには、弾くというより鍵盤を叩く意識にしており、そうなると、60〜100のレンジに収まっていることが多いのでご参考になれば幸いです。

またお気軽にご質問ください。

ライブでの弾き語りを前提にするなら、私はギターの方が習得しやすく実用的だと考えています。特にストローク主体であれば、基本的なコードを覚えるだけでロックやシンセポップの雰囲気を十分に作れます。

個人的な経験として、キーボードは機材の問題が大きいです。ライブ会場の鍵盤は弾き慣れていないことも多く、自分の機材を持ち込む場合も運搬の手間が発生します。一方でギターは常に自分の楽器を使えるため、環境の差による影響を受けにくいです。

もちろん音楽的にはどちらでも対応可能ですが、機動力やライブでの安定性を考えると、まずはギターから始める方が現実的かなと思います。特に弾き語り中心で活動する場合は、その利点を強く感じることが多いです。

またお気軽にご質問ください。

この曲の核は、Bm一発で押し切るワンコード構成にあります。コードを頻繁に変えず、同じ重心を維持することで、緊張感と重さを強く保っています。動きを作っているのはコードではなく、ベースやシンセのリズムと音色の変化です。

K-Popでこうしたダークな方向性を狙う場合は、フリジアン（短2度を含むスケール）を意識することが多いです。例えばBmを基準にC音を強調すると、不安定さと攻撃性が生まれます。これが怒りや孤独感の表現に直結します。

リズム面ではTrap系のドラムとベースが重要です。808ベース（低音ベース）と細かいハイハットを組み合わせることで、低音の存在感とグルーヴが生まれます。Spliceなどのサンプルを活用すると良いでしょう。

音作りではSerumなどのシンセで、太く歪んだリードや重いベースを用意すると雰囲気が一気に近づきます。個人的にはコード進行よりも、音色とリズムの設計から作る方が、このタイプの楽曲は組み立てやすいと考えています。

またお気軽にご質問ください。

AOR系のドラムは、ゴーストノートの扱いが非常に重要になります。リファレンスに挙げてくださったTotoのジェフ・ポーカロの演奏は良い教材で、スネアの弱い装飾音がグルーヴを作っています。私はベロシティ25前後を基準に入れることが多いですが、音源によっては50程度でも自然に聴こえることがあります。

打ち込みでは、強い音だけでなく弱い音を意識して配置すると、実演感が出やすいです。均一な強さで並べるより、強弱の差を大きめに取ることがポイントになります。

この作品は1982年の楽曲ですが、80年代っぽい強いリバーブを目指すより、70年代的なアレンジとミックスを基準にすると余白が出やすいと思います。同時に鳴る音数を減らし、各パートの掛け合いを意識すると、トラック数があっても埋め尽くした印象になりにくいと個人的に考えています。

またお気軽にご質問ください。

音源はSSDに移すことをおすすめしたいです。USB接続でも読み出しが5〜10倍くらい速くなり、待ち時間が減るので、限られた時間で制作作業をする場合かなり楽になります。

ただ、8TBは容量単価が上がりやすいです。空き480GBなら、まずは4TBのSSDを1台追加して、よく使う音源から移すのが現実的かなと思います。2026年2月現在、SSDはAI需要の高まりの影響で価格が高騰している状況ですので、価格が落ちてくる時期については諸説ありますが、コスパを考えながら将来性のある投資がしたいですね。

またお気軽にご質問ください。

プロっぽさは「聴かせどころがはっきりしているか」で決まることが多いです。フレーズで聴かせるのか、音色なのか、展開なのか、ミックスなのか。私は仕上げの段階で「何を聴かせたい曲か？」を毎回確認しています。

俯瞰するコツは、制作環境以外で聴くことだと思います。散歩しながら、車の中で、スマホのスピーカーで。意外と「主役が弱い」「盛り上がりが来ない」が見えてきます。

歌モノならボーカルの存在感、ダンス寄りならキックとベースの押し出しを重点的にチェックすると良いかもしれません。

またお気軽にご質問ください。

初心者の方なら、まずは「似せられる＝上達」と捉える方が健全です。似せる練習で、音選びや展開の引き出しが増えます。そこから複数曲たまってくると、自分なりの解釈が混ざってきて、結果的にオリジナリティになっていくことが多いです。

中上級者の方なら、参考曲の「元ネタ」を想像できると良いでしょう。新曲は過去曲へのリスペクトで出来ています。1曲の裏にある音楽まで辿れるほど、似過ぎにくくなります。日々様々な音楽を聴く中で、気付きを得ようと心がけると良いと思います。

またお気軽にご質問ください。

個人的にはリズム先の方が作りやすいと思います。もう少し丁寧に言うと、仮歌詞を先に作るやり方です。

言葉には自然なリズムがあります。そこに合わせて音程を乗せると、メロディーが浮かびやすかったりします。昔の歌づくりが「歌詞→メロディ」だったのも、この理由です。

もちろん作り方は色々です。サウンド重視の作り方もありますし、インスト曲なら先に音域を決める方がスムーズです。歌モノなら仮歌詞先、インスト寄りなら音域先を試すと良いかもしれません。

またお気軽にご質問ください。

個人的に、ポップス編曲に直結する名著は意外と少ないと思っています。なぜならば、流行の変化が早く、早ければ3年、遅くても5年でアレンジが変わるからです。なので、「流行曲のアレンジを学ぶ」というのが目的の場合は、直近の「時代の象徴」になった曲(直近ではパンデミック期に流行した楽曲)を耳コピして学ぶのが一番効率的かなと思います。

ただし、本が不要という話ではありません。学生時代に「ナベサダのジャズスタディ」を使った授業があり、当時二十歳前後の若者だった私は「なぜトライアドが6th!?」と違和感を感じながらビッグバンド課題をやりましたが、その後アニメ「アイカツ！」のアレンジ( https://youtu.be/mxL09TpxOhc?si=3q4dgtqxc0btK4Yq )で役立った場面がありました。同世代トッププレーヤーによるブラスレコーディング作品になりましたし、良いアレンジだったとお褒めの言葉をいただいたものですから、勉強しておいて良かったと心から思ったものです。

結局本を選ぶ時は、その本がいつ書かれたか、何の音楽を前提にしているかを先に確認すると良いかもしれません。ご自身がやりたいポップスと距離が近いほどきっと役に立つと思います。

またお気軽にご質問ください。

私は「音の通り道の各所で、適正な音量にそろえる作業」と理解しています。

目的はクリップ回避だけでなく、プラグインが想定通りに動作し、後段のリミッター等やフェーダーで無理に上げ下げしない状態を作って音質の良い状態を作ること。特に、奥行きを感じるミックスを目指すのであれば、ゲインステージングは気にしておきたいトピックです。

近年は浮動小数点処理のおかげでマスターさえクリップしなければOKと言われる一方、UAD等アナログシミュレート系のプラグインは精度が高いため、入力レベルで音色が良い意味でも悪い意味でも変わります。

クリッピングを逆手に取った方法がサチュレーションなわけですが、それを狙っていないのであれば、ソフト音源の出力やプラグインの入出力レベルが赤くならない程度を心がけるのがベターだと思います。

またお気軽にご質問ください。

今回のキャンペーンは、2026/3/2 17:00までで、Superior Drummer3本体の値下げというより「SDXを1本無料で選べる」タイプですね。

新規で購入されるのであれば、Superior Drummer3は拡張音源ありきなところがありますので、無料枠は、基本セールに出にくいSDXを選ぶとお得でしょう。私はまずSDX - STORIESを選ぶのが無難かなと思います。音作り済みのプリセットも多く、最初から曲で使える音が多いのでおすすめです。

すでにSDXを何本かお持ちなら、40%OFF枠で気になるジャンルを1つ足すのも良いと思います。個人的にはSDX - INDIEPENDENTあたりは気になりますね。

またお気軽にご質問ください。

私は「ディグリーで聞こえる」感覚は作れると思います。耳コピを続けるだけでも育ちますが、効率を上げるなら「自分で音を出す」練習を混ぜるのが近道です。聴くだけより身に付く感覚が得られやすいです。

個人的におすすめは、ギター等で毎回きちんとチューニングすることです。合っている／ズレているの違いが分かり始めると、相対音感の土台ができてくるでしょう。

あとは音程を歌って確認するのも良いかもしれません。短2度と長2度、完全4度と増4度などを「声で再現」できると、ディグリー感が強くなります。ゲーム感覚で音感を鍛えるというコンセプトで作られた無料アプリもOKです。

またお気軽にご相談ください。

実際、DTM向けのキーボードレッスンではビートルズの簡単な弾き語り譜面を使い、C・F・G・Amの4つを譜面通り鍵盤で押さえるところから始めることが多いです。このⅠ度・Ⅳ度・Ⅴ度・Ⅵ度の和音とそれぞれの転回形だけで、最低限の作曲は可能です。

そこから先の複雑なコードやバッキングは、打ち込みと理論で賄う作戦が良いかなと個人的に思っています。

ただ、キーボードの完全な独学は運指や構え方が自己流になり、時間がただ溶けていきやすいと思います。個人的には、最初の3ヶ月だけでもお近くのピアノ教室などで基本フォームを誰かに見てもらい、その後に自分で広げていく流れが効率的かなと思います。

またお気軽にご質問ください。

ブラス音源は大きく2つの種類に分かれています。SWAM Solo Brass Bundleなどの物理モデリング系と、私が使っているCHRIS HEIN HORNSなどのサンプリング系です。

物理モデリング音源（仕組みを数式で再現する方式）は、容量が軽く表情もつけやすい点が魅力で、まずソロを主役にしたいなら選びやすいです。一方でアタックが穏やかなので、ポップスでよくある「バシッ」としたスタッカート（短く切る演奏）は得意ではありません。

明るいホーンセクションを優先したいならサンプリング系の音源がおすすめで、個人的には最初に購入するならサンプリング系音源かなと思います。

KOMPLETEシリーズにはSession Hornsもありますので、そちらは手軽な音源としてぜひお試しいただきたいなと思います。こちらはサンプリング系音源です。

またお気軽にご質問ください。

とうとう出ましたね。個人的にクワイヤ音源って結局思った通り歌わせるのに難儀でSynth Vを知ってしまうと「なんであのようにならないんだろう」って思っていました。アンサンブルシリーズは価格が少し高めですが、デモの完成度を見ると価値は感じやすいと思います。

教室にお越しの皆様の傾向から察するに、個人的にはアンサンブル系のVol.3が一番ハマりやすい気がします。まずは体験版やデモを基準に、実際に自分の曲で使う場面が想像できるかで判断すると失敗が減ると思います。

またお気軽にご質問ください。

https://dreamtonics.com/ja/choir-voices/

私は音色とフレーズを分けて聴くことが多いです。特にドラムとベースのパターンはジャンルのリズム感を決めるので、ここを掴むと元ネタの方向性が見えやすくなります。四つ打ちならダンス系、跳ねるベースならファンク寄り、という具合です。

コード楽器や上モノはアレンジの個性が強く出ます。Aメロはロックっぽいけど、サビはハウス寄り、間奏はクラシック風、というカオスさはJ-Popでよく起きます。私はセクションごとに役割を切り分けて考えることが多いです。

もう一歩踏み込むなら、ある曲を起点に影響元を辿る聴き方が役に立ちます。月並みな表現ですが、今も昔も「良い音楽をたくさん聴くと良い」と言われます。
これをもう少し噛み砕くと、今の音楽は過去のリスペクトでできているので、流行曲から一世代前、そのまた前へと遡ると、ジャンルの輪郭が自然と掴めてくると思います。そんなことに「本気のシンセ講座」は向き合ってみた講座ですので、宣伝で恐縮ですがシンセにご興味があればぜひ。

またお気軽にご質問ください。

ピアノだけを見ると、サビはハウス系のリズム感に乗ったピアノリフで、いわゆる「House Piano」に近い方向性です。

ただ、コード感はしっかりマイナーで、ところどころにクラシックやラテンっぽいフレーズが混ざります。個人的には、ショパンの革命のエチュードやリストの超絶技巧練習曲のような速い駆け上がりを現代ポップスに落とし込んだ発想に近いかなと思います。

もしピアノのフレーズ作りを研究したい場合、IMSLP( https://imslp.org/ ) でクラシック譜面を見ながら、マイナー調の速弾きパターンを抜き出してアレンジに転用するやり方も参考になるかもしれません。

またお気軽にご質問ください。

Logic Proは付属音源やApple Loopsが豊富なので、最近は制作を助ける機能も増えてきていますよね。

SSDに保存されているソフト音源の読み込み方法というのは、すみません、サードパーティのものなのか、Logic Pro付属のものなのか、操作方法のご質問なのか、設定系のご質問なのかがわからず、正確なご回答が難しいので、改めて詳細を教えていただければ幸いです。

例えば、〇〇をしようとしていてソフト音源が読み込めないとか、具体的になんのソフト音源を読み込もうとしているのか、ソフト音源は立ち上がるが音色が選べないまたは音が出ないですとか、お手数ですがもう少し教えていただけると、より具体的にご回答できるかもしれません。

「Logic Proに乗り換えた」「SSD」「ソフト音源」とキーワードを入れておいてくだされば同じ方なのかな？と思って回答できますので、またお気軽にご質問ください。